Waktu, Pekerjaan, Disiplin: Musik (Tidak) Bruce Nauman



Harga
Deskripsi Produk Waktu, Pekerjaan, Disiplin: Musik (Tidak) Bruce Nauman

Dengan merilis rekaman vinil baru dari soundtrack film biola Bruce Nauman yang pertama, Craft / Work menganggap tempat artis dalam pengembangan estetika musik baru.



Pada musim dingin tahun 1967-68, Bruce Nauman berusia pertengahan dua puluhan, baru saja pindah dari sekolah seni, dan tinggal di San Francisco. Segalanya tampak mungkin - tapi banyak hal tampak lelah, kacau, palsu. Lukisan, untuk satu, sedang keluar. Apa selanjutnya? "Jika saya adalah seorang seniman dan saya berada di studio," dia beralasan, sambil merenungkan kejadian ini bertahun-tahun kemudian untuk acara PBS Art in the Twenty-First Century, "maka apapun yang sedang saya lakukan di studio pasti seni. Pada titik ini, seni menjadi lebih merupakan aktivitas dan kurang sebuah produk. "

Dia mulai memproduksi serangkaian film pendek, dengan dirinya sebagai bintang. Dalam setiap kasus, film akan bertahan selama satu gulungan film 16mm (sekitar sepuluh menit); mereka akan terdiri dari tembakan statis tunggal (tidak selalu datar, persegi, atau benar); dan aksinya akan terdiri dari Nauman sendiri yang melakukan satu tugas sederhana dan berulang: memantulkan bola, melukis wajahnya, menjepit kakinya, atau membungkuk biola.

Pada saat itu, Hilton Kramer dari New York Times menolak film Nauman untuk "menawarkan gambar yang entah bagaimana berhasil menjadi membosankan dan menjijikkan." (Apakah Hilton, saya bertanya-tanya, memikirkan Black Balls, 1969, di mana sang seniman dengan hati-hati dan dengan cermat tars testisnya sendiri sangat dekat?). Pada tahun 2009, ketika karya Nauman menyempurnakan paviliun Amerika di Venice Biennale, Calvin Tompkins dari New York menyatakannya sebagai "seniman hidup paling berpengaruh".


Namun dengan dirilisnya label Die Schachtel dari rekaman vinil yang terbatas yang berisi soundtrack ke tiga film akhir karya Nauman akhir 1960-an, sebuah pertanyaan yang berbeda diajukan. Tidak begitu banyak, 'apakah ini gambar seni?'; bukan yang tangensial, 'apakah ini musik suara?'

Bruce Nauman lahir di Fort Wayne, Indiana, pada tahun 1941. Putra seorang salesman General Electric, keluarganya banyak pindah: Schenectady, Wisconsin, Wauwatosa. Serangkaian kota kecil dan lingkungan pinggiran kota. Di sekolah dasar, ia mengambil pelajaran piano dan kemudian mengambil gitar dan bass. "Saya ingat itu adalah piano bekas," katanya dalam sebuah wawancara dengan Michele De Angelus dari tahun 1980, "dan saya tidak pernah berlatih cukup, yang mungkin mengapa saya tidak pernah tinggal sebagai seorang musisi karena saya tidak pernah memiliki disiplin itu."

Tetap saja, untuk sementara waktu, di perguruan tinggi dan segera setelah itu, dia membuat semacam permainan bermain di band dansa dan kelompok jazz. Di Universitas Wisonsin ia belajar matematika terlebih dahulu, kemudian mengambil kelas teori musik yang lebih banyak dan lebih banyak (dengan minat khusus, tampaknya, dalam karya Sekolah Wina Kedua), sebelum tiba-tiba dan hampir tidak dapat dijelaskan memutuskan selama musim panas setelah tahun kedua, untuk beralih ke seni.

MICHELE DE ANGELUS: Tahukah Anda orang-orang yang menjadi seniman?

BRUCE NAUMAN: No.

MICHELE DE ANGELUS: Sudahkah anda membaca biografi para seniman atau -

BRUCE NAUMAN: No.

MICHELE DE ANGELUS: Tidak, seperti, pekerjaan orang yang Anda kenal?

BRUCE NAUMAN: No.

MICHELE DE ANGELUS: Apakah Anda memiliki perasaan seperti apa yang mendorong Anda untuk melakukan ini? Ini sangat penasaran, bukan?

BRUCE NAUMAN: Saya banyak memikirkannya, karena sulit untuk - Saya tidak tahu apa yang terjadi melalui otak saya saat itu.

Tapi bertanya, kemudian dalam wawancara yang sama, artis mana yang telah mempengaruhi sakunya yang sama-sama terjal, setelah meninggalkan sekolah seni, jauh dari melukis dan menuju film dan video, Nauman menjawab, "Saya pikir apa yang lebih penting daripada karya dan seniman lainnya, adalah jumlah musisi yang saya kenal yang pernah saya kenal sebelumnya, tapi kebanyakan mereka tinggal di Pantai Timur, Phil Glass, dan Steve Reich, dan saya mengenal musik La Monte Young meskipun saya tidak pernah mengenalnya, tapi saya biasa Luangkan waktu bersamanya di studio. "

Mendengarkan untuk pertama kalinya sebuah karya seperti 'Soundtrack dari film biola pertama: Memainkan keempat senar di biola', mungkin ini adalah kelompok komposer - bersama dengan sesama pelancong, sezaman, dan kolaborator seperti Dennis Johnson, Charlemagne Palestine, Terry Jennings, dan terutama Tony Conrad - yang akan segera diingat. Selama sembilan menit dan dua puluh dua detiknya, kita mendengar deret arpeggio yang berulang-ulang saat Nauman menarik busur bolak-balik melintasi keempat senar itu dalam serentetan stroke legato. Jika ditulis sebagai skor, Anda bisa membayangkan sebuah slur panjang, menukik di atas tongkat dari awal potongan ke garis ganda akhir.

Tapi 'Soundtrack dari film biola pertama: Memainkan keempat senar biola' berisi beberapa elemen yang tetap berada di luar jangkauan skor apapun: saat ketika musik melambat dan melaju, saat tangan Nauman melayang dan kemudian melipatgandakan usaha mereka, saat senar dilewatkan atau dimainkan begitu keras sehingga mereka mencicit dan parut, lain kali saat sang seniman nampaknya melawan kram dengan hampir menusuk senar dengan tekun.

Menonton film itu sendiri, ditembak hitam dan putih kasar di studio artis, kami melihat Nauman beristirahat sejenak, berjalan keluar dari bingkai, lalu kembali dan terus menggergaji beberapa menit lagi, sampai akhirnya harus memberi up sepenuhnya Kami melihatnya menggosok dan meregangkan tangannya yang sakit di akhir film. Tak satu pun dari ini adalah pada rekaman suara. Tapi tetap saja kita bisa mendengar tubuh artis mengambil efeknya pada soundtrack dengan cara yang bisa menempatkan rekaman ini beberapa jarak di luar sebagian besar estetika musik yang diterima sekitar tahun 1967-68.


Peristiwa seismik yang diwakili oleh John Cage, musik dan gagasannya tentang kesempatan dan keheningan, telah menimbulkan efek yang agak paradoks: di satu sisi, membuka banyak jalan baru, membuat segala macam hal tiba-tiba tampak mungkin yang sebelumnya tidak terpikirkan sebelumnya, komponis dan artis yang membebaskan sama; di sisi lain, memperkuat dan memperkuat kekuatan skor dan otoritas sang komposer. Bahkan saat jam 4'33 'membuka pintu ruang konser untuk membiarkan suara di luar, ia menumbuhkan ranah musik' sendiri 'dari sekian banyak yang dianggap' ekstra musikal 'lainnya - tubuh pemain dan kelemahannya. kepala di antara mereka

Cage terkenal karena ketidaksukaannya terhadap improvisasi, penghinaannya terhadap para penafsir yang menganggap prosedur dan nilai grafisnya yang tak pasti sebagai sebuah kesempatan untuk menganggap bahwa "apapun yang terjadi." Jauh dari itu. Pada pertengahan tahun 1960an ketika Nauman membuat film ini, komposisi Cage sendiri telah beralih dari bahan dasar yang sangat santai sampai dengan karya virtuosik seperti Atlas Eclipticalis. Pada tahun 1974, penilaiannya terhadap masa depan musik secara sederhana, terus terang: "bekerja".

Hal ini, dalam arti tertentu, adalah masalah disiplin. Disiplin yang sangat dirasakan Nauman saat ia masih kecil, menyebabkan dia melepaskan piano. Dan mungkin juga disiplin lain.

"Saya mungkin memiliki biola sekitar satu atau dua bulan sebelum saya membuat film ini," kata Nauman dalam sebuah wawancara yang dilakukan di San Jose State College pada tahun 1970 dengan Willoughby Sharp. "Kurasa aku membelinya sekitar lima belas dolar. Rasanya seperti sesuatu untuk dimiliki. Saya memainkan instrumen lain, tapi saya tidak pernah memainkan biola dan selama periode waktu yang saya miliki sebelum film saya mulai berdesak-desakan dengannya. ... Saya ingin membuat sebuah masalah di mana tidak masalah apakah saya tahu bagaimana memainkan biola atau tidak. "

Sebenarnya, mengingat bahwa, seperti yang dia katakan dalam wawancara yang sama, potongan pada dasarnya berkaitan dengan "ketegangan" tertentu, sejenis "respons tubuh" yang bersimpati pada kelelahan fisik yang teraba dalam pertunjukan, setidaknya ini untuk Nauman gagal. Tidak masalah apakah dia tahu bagaimana memainkan biola atau tidak, karena keseluruhan dan tujuan pelajaran instrumental klasik adalah membuat ketegangan itu, respons tubuh itu - untuk membuat, pada kenyataannya, ada rasa tubuh yang melakukan apa pun - hilang.

Sejauh yang diterima estetika musik pada waktunya sendiri yang bersangkutan, potongan biola Nauman hampir tidak dapat dianggap musik - lebih dari mungkin banyak karya serupa dari periode yang sama, di mana ia memantul tubuhnya ke sudut studio atau berjalan "Dengan cara yang berlebihan" di sekeliling alun-alun. Kehadiran biola tidak relevan.

Tapi semuanya akan berubah.

Pada tahun 1969, satu tahun setelah eksperimen Nauman dengan biola, komposer Inggris Michael Parsons menyajikan sebuah karya musikal yang luar biasa berjudul Walk. Ini dinilai bukan untuk kuartet string atau band kuningan atau paduan suara laki-laki tapi "sejumlah orang yang berjalan di tempat terbuka". Segala sesuatu tentang struktur, bentuk potongannya adalah musikal. Tapi tidak ada suara. Atau lebih tepatnya, mungkin akan ada suara - lagipula, seperti yang selalu disadari John Cage. Tapi Walk tidak, seperti 4'33 '', sepotong tentang mendengarkan suara yang tidak diinginkan. Ini adalah bagian tentang tubuh, bergerak melalui ruang dan waktu.

Tiga tahun sebelumnya, pada tahun 1966, Meredith Monk mengadakan sebuah karya di New York's Judson Church yang berjudul Anting 16 Milimeter. Menggabungkan alat peraga dan gerakan teater dengan musik vokal dan instrumental, proyeksi film, dan kutipan yang diucapkan dari buku Wilhelm Reich The Function of the Orgasm, karya itu adalah campuran genre yang tidak dapat didefinisikan, sama sulitnya dengan daya tariknya. Mengomentari bagian itu bertahun-tahun kemudian, Monk mencatat "Dengan konsep yang saya miliki di Anting 16mm saya menyadari bahwa apapun dalam hidup saya dapat digunakan sebagai bahan: rambut saya, tubuh saya, mata saya yang melintang, apapun tentang saya secara fisik atau mental ... Bukannya saya merasa saya sedang melakukan pekerjaan pengakuan sama sekali ... Itu mengambil sesuatu dari keberadaan saya dan menjadikannya bahan plastik, seperti cat. "

Biksu bertemu Nauman pada tahun 1968, sekitar saat dia sedang melakukan film pertunjukannya sendiri. "Nah, pertama kali saya benar-benar berbicara dengan seseorang tentang kesadaran tubuh pada musim panas 1968," kata Nauman dalam wawancara di atas dengan Willoughby Sharp. "Meredith Monk ada di San Francisco. Dia telah memikirkan atau melihat sebagian dari pekerjaan saya dan mengenalinya. "

"Kesadaran diri Anda berasal dari sejumlah aktivitas dan Anda tidak bisa mendapatkannya dari sekedar memikirkan diri sendiri," lanjutnya. "Anda melakukan latihan, Anda memiliki beberapa jenis kesadaran yang tidak Anda miliki jika membaca buku. Jadi film dan beberapa potongan yang saya lakukan setelah itu untuk kaset video secara khusus tentang melakukan latihan seimbang. Saya menganggap mereka sebagai masalah menari tanpa menjadi penari, tertarik pada jenis ketegangan yang muncul saat Anda mencoba menyeimbangkan dan tidak bisa. "

Berbicara kepada kurator Christine von Assche, Monk sendiri akan mengingat "berpartisipasi dalam karya [Nauman's] yang memiliki dimensi musik yang menakjubkan. Itu dilakukan di galeri lantai dua Whitney pada musim semi 1969. Bruce, istrinya saat itu, dan saya berdiri dengan punggung ke tiga sudut ruangan. Tugas kami adalah mundur ke sudut dinding, berdiri kembali, jatuh lagi, berdiri kembali, seperti itu, selama satu jam. Itulah bagiannya. Suara berdebar-debar air terjun dan konfigurasi ritmis dan visual tetap bervariasi karena masing-masing dari kita jatuh dengan cara yang berbeda dan pada interval yang berbeda. Berpikir tentang potongannya sekarang, idenya nampaknya sangat musikal. "

Pada tahun 1969, Michael Parsons Walk tentu saja tidak kontroversial dan Meredith Monk jauh dari arus utama estetika musik kontemporer. Tapi saya tahu sangat sedikit komposer yang bekerja hari ini yang akan gagal mengenali pentingnya keduanya. Jika ada, kekhawatiran mereka - dan kekhawatiran tidak hanya diungkapkan dalam film biola Nauman, namun di semua film pertunjukannya dari periode ini - telah menjadi sangat penting bagi perkembangan terkini musik kontemporer, terutama yang berpusat pada apa yang Jennifer Walshe sebut ' Disiplin Baru '.

"Istilah ini berfungsi sebagai cara bagi saya untuk menghubungkan komposisi yang memiliki berbagai kepentingan yang berbeda," Walshe menulis dalam sebuah editorial untuk Musiktexte pada bulan Mei tahun ini, "tapi semua berbagi perhatian bersama untuk berakar pada fisik, teater dan visual, serta musikal; potongan yang sering memanggil ekstra musikal, yang mengaktifkan non-koklea. Dalam kinerja, ini adalah pekerjaan di mana telinga, mata dan otak diharapkan untuk aktif dan terlibat. Pekerjaan di mana kita mengerti bahwa ada orang-orang di atas panggung, dan bahwa orang-orang ini memiliki tubuh. "

Dalam konteks pernyataan Walshe di sini - dan pemikiran dan praktik komposer dan praktisi lain yang disertakan dalam terbitan film Musiktexte - Nauman ini, hampir tidak bisa dijadikan musik. Kami terhuyung-huyung menuju kesimpulan yang mungkin mengejutkan bahwa karya-karya ini mungkin dibuat bukan sebagai musik tapi entah bagaimana menjadi seperti itu, tumbuh di dalamnya.

Dalam salah satu karya Nauman yang paling terkenal, sebuah tanda neon yang besar berbunyi "Seniman sejati membantu dunia dengan mengungkapkan kebenaran mistik". Ketika ditanya tentang pernyataan ini, dia menyebutnya "ide bodoh, tapi tetap saja saya yakin itu benar atau tidak benar pada saat bersamaan." Cornelia Feye, dalam sebuah esai tentang Nauman yang ditulis untuk Athenaeum di La Jolla, California, pada tahun 2013 , mencatat "Banyak unsur karya Nauman adalah benar dan tidak benar pada saat yang bersamaan." Mungkin soundtrack film biolanya - dan film stamping, film berjalan, film melukis wajah, dan film yang memantul bola - dapat dianggap sebagai musik. dan bukan musik pada saat bersamaan. Bagaimanapun, selalu ada karya liminal ini, yang keduanya dan tidak, mempertanyakan batas-batas bentuk, yang akan terbukti paling penting bagi perkembangan masa depan seni manapun.Baca juga: gantungan kunci akrilik
5 24
Copyright © 2015. OKEbutik Template Allright reserved.